Le Blog de Jean-Jacques Aillagon

Colloque - Eluana

Colloque
J’ai accepté de participer au colloque « Quand le patrimoine rencontre l’art contemporain » organisé par l’institut de formation de l’Hôtel Drouot. J’y retrouve Guy Boyer, David Caméo, Claude d’Anthenaise, Guy Tortosa et Xavier Veilhan. Tour de table intéressant devant un public attentif. Je dois, dès une heure, abréger ma participation à ces débats, ayant, par ailleurs, pris l’engagement d’aller rejoindre le président du Sénat, Gérard Larcher et les élus des Yvelines pour la visite de Tecomah (Ecole de l’environnement et du cadre de vie – www.tecomah.fr) à Jouy-en-Josas. Le travail de formation qui se fait dans cette école de la Chambre de commerce de Paris est impressionnant. Gérard Larcher manifeste, dans cet environnement, une chaleureuse attention républicaine. Il confesse, lui le vétérinaire de formation, avoir aussi un CAP de maréchal-ferrant, le deuxième  personnage de l’Etat est décidément un homme de grande qualité. Je le crois décidé et capable de rendre au Sénat toute sa place dans la vie démocratique de notre pays.
Avant de quitter Versailles, je rencontre Gérard Courchelle de France Inter. Il prépare une série de sujets sur les chantiers de Versailles. Je le connais depuis longtemps et apprécie beaucoup l’intensité de sa passion pour les arts, pour la musique notamment.

Eluana
L’Italie est divisée par le sort d’Eluana. Une clinique d’Udine a accepté la requête de ses parents de la prendre en charge pour interrompre sa survie artificielle. C’est un acte de miséricorde et non pas une décision délibérée et scandaleuse de donner la mort. Rien ne ramènera à la joie d’exister cette pauvre jeune femme plongée dans un coma irréversible depuis 17 ans. On ne peut, au nom d’un principe moral, honorable par ailleurs, s’y opposer sans que toute conscience compatissante et sensible s’en indigne. C’est vrai, c’est une lourde décision que celle de conclure le cours d’une existence, mais force est de constater que cette existence n’a plus de consistance physique que grâce aux artifices mécaniques des prodiges de la médecine moderne, sans que subsiste le moindre espoir que la vie ainsi maintenue puisse, un jour, être rendue à la conscience de vivre. Je le répète, la miséricorde, la compassion, l’humanité doivent parfois savoir constater que, tout ayant été fait, il n’est pas digne de continuer des soins inutiles. La vie, ce bien précieux, n’a de sens que lorsque son don est profitable à celui qui l’a reçu et qu’elle ne constitue pas, pour les êtres chers qui l’entourent, une douloureuse et insupportable épreuve.
C’est l’honneur de l’Eglise de défendre le caractère sacré de la vie, mais ce n’est pas un devoir d’en faire une règle mécanique et sans discernement. La mort digne d’Eluana ne serait pas un « acte indigne de l’homme » comme l’a déclaré Benoît XVI, mais justement un acte d’humanité, confiant à Dieu éventuellement, et aux siens sûrement, une vie brutalisée par le sort de façon irrémédiable.

Jardins de Versailles - Venise

Jardins de Versailles
Une bonne partie de l’après-midi est consacrée aux premiers travaux du Comité de réflexion sur la restauration du Jardin du Roi que j’ai créé pour permettre à l’Etablissement de fonder sa stratégie et ses choix de travaux à mettre en œuvre sur une concertation contradictoire. La restauration du bosquet des Trois Fontaines a été louée par certains. Elle a été critiquée et même vilipendée par d’autres. Elle a consisté dans la recréation de l’état Le Nôtre de ce bosquet, état effacé depuis longtemps. C’est Pierre-André Lablaude qui a conduit ce travail, en partie financé par les American Friends of Versailles.
Les bosquets de Versailles sont une réalité patrimoniale glorieuse mais fragile, dont le tracé d’ensemble a, en général, résisté aux vicissitudes du temps mais dont la composition propre de chaque élément a connu des états historiques successifs, d’autant plus précaires qu’ils ont subi les mutations du goût, les conséquences de préoccupations économiques, plus fortes sous Louis XV et Louis XVI que sous le prodigue Louis XIV, si amoureux de ses jardins, celles également du fait tout simple qu’un bosquet est aussi une œuvre végétale qui vit, qui grandit, qui dépérit, qui subit les conséquences des intempéries, les grands froids, les sécheresses et les tempêtes… La restauration de ce patrimoine renvoie donc à des choix théoriques qui ne sont pas évidents, qui divisent le monde des spécialistes et dont il vaut mieux débattre plutôt que de prendre des décisions comme si elles étaient évidentes.
Je suis entouré de Jean-Pierre Bady et de Didier Wirth. Pierre-André Lablaude est entouré d’Adrien Goetz et de Didier Rykner. Participent également à notre comité Pierre Arizzoli-Clémentel, Directeur général de l’établissement, et Daniel Sancho, Directeur du patrimoine, Joël Cottin, Chef du service des jardins de Versailles, deux de nos conservateurs, Gérard Mabille et Alexandre Maral, un conservateur de Fontainebleau, Vincent Droguet. Quatre autres personnalités manquent à cette première réunion. Elles nous rejoindront ultérieurement.
Après une présentation de la situation actuelle des jardins, on identifie les zones à traiter en priorité. C’est à la deuxième réunion qu’on pourra balayer toutes les hypothèses de traitement qui se présentent : reconstitution d’un état d’Ancien Régime ? Lequel ? Prendre en compte l’existence d’un état XIXe et le consolider ? Recréer de toutes pièces un jardin contemporain ? …

Venise
Dans la journée, je croise François Pinault qui m’informe de l’achèvement prochain du chantier de la Pointe de la Douane dont le réaménagement et la restauration ont été conduits par Tadao Ando. Il me propose de faire un saut à Venise avec lui prochainement pour visiter la fin de ce beau chantier. J’en serais heureux.

Jacqueline Poggi, © Droits réservés

La conquête de la Pointe de la Douane, dans le cadre de l’appel d’offres qui avait été ouvert par la Ville de Venise a été le dernier de mes grands travaux vénitiens. J’y ai mis beaucoup d’énergie, dans un contexte difficile, nos compétiteurs, le Guggenheim soutenu par la région Veneto, s’étant montrés très agressifs, notamment à mon égard. C’est l’offre de François Pinault que je présentais, qui l’a emporté, heureusement pour la Ville de Venise qui bénéficiera de la restauration d’un bâtiment emblématique, et de l’activité d’un nouveau centre d’art contemporain dont un mécène assurera totalement le financement… Massimo Cacciari, Maire de Venise, sait ce que sa Ville me doit, l’amarrage du Palazzo Grassi à sa vocation culturelle et le sauvetage de la Douane de Mer, dont le délabrement déparait le paysage de la cité.

DS 19 - Le Pape encore - Académie Française

DS 19
Dans Libération, une double page sur la DS, à propos de l’annonce par Citroën de la reprise de cette appellation en 2010. Souvenirs ! Souvenirs !

 

Ciccio Pizzettaro, © Droits réservés

Cette voiture, apparaissant dans le paysage de mon enfance, y a, d’une certaine manière, signé l’irruption de la modernité. Si nous n’avions pas de voiture à la maison, ma tante, Tata Mimi, et mon oncle, Nonon Robert, en avaient toujours possédé une. C’est en voiture qu’ils nous rendaient parfois visite le dimanche, avec mes cousins Hubert et Jean-Claude. Ils vivaient à Pange, dans la campagne proche de Metz. Nous vivions à Creutzwald où ma mère tenait un improbable commerce d’un autre temps (café, restaurant, épicerie, hôtel…) qui périclitait. Je me souviens de son désespoir, quand elle constatait, tous les matins, que des souris avaient dévasté le rayon des pâtes ou du riz, rayon étant un bien grand mot pour désigner le petit stock qui s’entassait sur une étagère de bois peint… Quoi qu’il en soit, je me souviens très précisément du jour où ces parents, sensiblement plus nantis que nous, sont arrivés, avec la DS qui avait remplacé leur Traction. La Traction nous renvoyait à l’époque de la guerre. C’est la voiture qu’on voit sur les images de la Libération de Paris. La DS, brusquement, nous projetait dans l’avenir. Elle fut ma première expérience de ce que je saurai plus tard être le design. Elle faisait prendre conscience de nouvelles manières possibles de voyager, en s’abandonnant au confort de nouvelles ergonomies, en procurant au passager la griserie de nouvelles sensations technologiques, comme celle de la mise en œuvre, à l’allumage, de la suspension hydraulique. Elle était définitivement devenue le symbole même de la réussite (celle de mes parents de Pange qui avaient créé une société de distribution de gaz en bouteille et d’appareils électroménagers, à un moment où les ménages accédaient au « confort moderne ») et du pouvoir (la voiture du Général de Gaulle…). Vous pensez l’effet que ça pouvait produire à Creutzwald, rue de Nassau, où selon le vent, l’air sentait ou les exhalaisons des tas de fumier qui encore occupaient les trottoirs ou les effluves soufrées des installations carbochimiques de Carling !

Le Pape encore
Je suis impressionné par la révolte que l’ambiguïté du Pape a provoquée dans l’opinion catholique. Le Figaro titre « l’Allemagne prend ses distances avec « son » Pape ». En France, l’hebdomadaire « chrétien d’actualité » La Vie, prend la tête d’un appel des intellectuels, animé par Jean-Pierre Denis, rédacteur en chef de la publication. Ces réactions témoignent de la véritable naissance d’une opinion publique catholique qui ne ploie pas l’échine sous le joug d’une autorité et d’un magistère contestables. Il y a peut-être là les prémices d’un vrai mouvement de réforme.

Académie Française
La succession paradoxale au fauteuil de Maurice Rheims à l’Académie Française est ouverte. Elle est paradoxale puisqu’elle gomme l’intermède de l’élection d’Alain Robbe-Grillet qui, élu en 2004, n’a jamais souhaité y être « reçu », jusqu’à sa mort en 2008… Michel Borel, Renaud Camus, Jean-Louis Servan-Schreiber, François Taillandier, Pascal Thomas et Didier Van Cauwelaert sont candidats. L’élu prononcera donc l’éloge de Maurice Rheims et non pas celui d’Alain Robbe-Grillet, encore que la délicatesse et la grâce littéraires l’inviteront sans doute à ne pas livrer la mémoire de cet homme singulier à une totale « damnation ».
Je regrette que Dominique Muller n’ait pas osé sa candidature. Elle est femme. Elle est écrivain, incontestablement et amplement. Vingt-cinq essais et romans ponctuent déjà son œuvre exigeante. Elle a reçu la grâce de cette curiosité pour les objets d’art dont Maurice Rheims était le virtuose. Elle fut la compagne du grand commissaire-priseur et a même consacré un travail universitaire à Alain Robbe-Grillet dont elle est capable de partager la liberté des comportements. J’imagine qu’elle a craint que l’Académie, ne soit pas suffisamment attentive à la sincérité et à la qualité d’une candidature à laquelle la noble compagnie en préférera sans doute d’autres qui lui paraîtront stratégiquement plus opportunes.

L’Ambassadeur de Pologne, Tomasz Orlowski, me remet, dans sa résidence, l’Hôtel de Monaco, rue Saint Dominique à Paris, les insignes de Commandeur du Mérite de la République de Pologne. Il veut bien, dans son allocution, rappeler l’attention que j’ai marquée, comme ministre notamment, à la qualité des relations culturelles entre la France et son pays.

Il est vrai que c’est avec une conviction toute particulière que j’ai travaillé avec mon collègue d’alors, Waldemar Dabrowski, Ministre de la Culture de la Pologne. Il appartenait au gouvernement de Leszek Miller. Nous partagions, lui et moi, la chance d’avoir, avant d’être devenus ministres, dirigé des établissements culturels, lui l’Opéra national de Varsovie, moi le Centre Pompidou. Nous avons sur beaucoup de dossiers, notamment ceux relatifs au projet de convention de l’Unesco sur la diversité culturelle, su définir des positions communes. Ressentant la nécessité de resserrer les liens entre la France et les pays de l’Europe de l’Est, j’avais entrepris une mission en Roumanie, en Hongrie et en Pologne, ces pays étant, à ce moment-là, sur le point d’adhérer à l’Union. C’est à l’occasion de ce voyage qu’avait été programmée l’exposition « Ombres et lumières » sur le thème de la lumière dans la peinture française du 16ème au 20ème siècle, exposition dont je confiais le commissariat à Emmanuel Starcky, conservateur du Musée de Dijon que je venais de nommer directeur adjoint des musées de France, et à Fabrice Hergott, directeur des musées de Strasbourg. J’ai revu Waldemar Dabrowski lors d’une mission que j’ai effectuée à Varsovie en 2006, comme Président de TV5Monde. Il était revenu dans son théâtre qu’il me fit visiter avec l’émerveillement d’un enfant qui avait retrouvé son jouet.
Mes collaborateurs ont eut la délicate idée de faire inviter à cette cérémonie une centaine de personnes, témoins de différentes étapes de ma vie professionnelle ou personnelle. Je retrouve à l’Hôtel de Monaco des anciens de la Ville de Paris et du Centre Pompidou, notamment Jean Maheu qui fut mon patron dans cette maison quand j’y travaillai une première fois comme administrateur du Musée National d’Art Moderne, de 1982 à 1985, Dominique Bozo en était alors le directeur. Alain Seban, qui aujourd’hui, dirige le Centre est également là, tout comme le professeur Alain Pompidou, ce qui me touche infiniment. Inutile de préciser que beaucoup de mes collègues de Versailles sont également venus ainsi qu’un grand nombre des chefs d’entreprises attentifs aux projets du château et qui en soutiennent la mise en œuvre. Il y a Xavier Huillard, François Pinault, Didier Lombard, Vincent Montagne, Jean-Marc Forneri, Christian Giacomotto, Pierre Godé, Christophe Blanchard-Dignac, Bernard Spitz, etc.
Il se trouve que dans l’après-midi, j’avais répondu aux questions d’un journaliste de Télérama, Olivier Milot, sur l’impact possible de la crise sur la situation économique du château de Versailles et notamment sur son activité de mécénat. Je dois dire que la présence, à l’Ambassade de Pologne, de ces chefs d’entreprise, sans naturellement constituer une « promesse de dons », me confirme que la conscience qu’a le tissu économique de l’importance exceptionnelle de Versailles ne s’est pas émoussée malgré les difficultés économiques du moment.

Conseil de la création artistique - A.V.E.C

A l’Elysée pour l’installation du  Conseil de la création artistique avec Denis Berthomier, Administrateur général de Versailles. On nous avait annoncé le blocage de l’A13 par d’abondantes chutes de neige. Par précaution, nous partons avec une avance confortable. Inutilement, puisque la neige a déjà fondu et qu’il y a très peu de circulation ! Pour attendre l’heure de la conférence présidentielle, nous décidons d’aller rendre visite à Guillaume Cerutti, Président de Sotheby’s France, dont le siège est quasiment en face de l’Elysée, dans l’ancienne galerie Charpentier. Guillaume nous offre un thé. Nous parlons du bilan de l’activité de sa maison en 2008 puisqu’elle a réalisé le plus beau chiffre d’affaires de toutes les sociétés de ventes volontaires françaises. En 2008, Sotheby’s a fait mieux que Christie’s me dit fièrement Guillaume. Il sait qu’en 2009 ce ne sera pas possible. C’est Christie’s qui fera la vente de l’année, la vente Yves Saint-Laurent-Pierre Bergé qui sera sans doute même une des ventes du siècle.

A l’Elysée, je salue Marin Karmitz que je connais depuis longtemps et dont je respecte la ferveur de l’engagement en faveur de la création, sous toutes les formes de son expression, le cinéma bien sûr, mais aussi les arts plastiques qu’il collectionne avec ferveur. Parmi les invités je croise Véronique Cayla, aujourd’hui directrice du Centre national de la cinématographie, qui fût la directrice générale de MK2, auprès de Marin Karmitz. Leur duo de 1992 à 1999 fut brillant et efficace. Véronique avait été proche de Jean Musy qui fut notre patron commun. Il l’aimait beaucoup et disait d’elle avec humour « Elle est très solide. Elle mange comme un homme ! ». Quand Véronique Cayla quitta en 1992 la direction de la vidéothèque de Paris (actuel Forum des images), elle me suggéra de lui succéder, ce que je fis avec beaucoup de joie, jusqu’à ma nomination à la direction des affaires culturelles de la Ville de Paris.

Dans la soirée, le Château de Versailles accueille, pour la neuvième fois, le gala annuel de L'Association pour la Vie - Espoir contre le Cancer (A.V.E.C), qu’anime David Khayat. Cette association mobilise des générosités en faveur de la lutte contre le cancer. Dans l’assistance, de nombreuses personnalités dont certaines confient avoir bénéficié, à titre personnel, des conseils et des soins du professeur Khayat. Ce qui me frappe chez David Khayat c’est sa joie de vivre, symptôme rassurant chez un médecin et chercheur qui combat une cruelle maladie, et sa gourmandise avouée. Il parle avec volupté de la manière d’accommoder un poisson, de préparer un gratin de pommes de terre ou encore de sa collection de vinaigres balsamiques.

Londres (suite)

Avant de quitter Londres, visite de la Saatchi Gallery proche de mon hôtel, à Chelsea. Le temps s’est refroidi. Vent glacial et flocons de neige. J’arrive à 9h20. La galerie n’ouvre qu’à 10 heures. Je me promène donc, pour passer le temps, jusqu’au Royal Hospital de Chelsea.
L’accrochage de la galerie est tout entier consacré à des artistes arabes et iraniens contemporains. Dans la « Phillips, de Pury & Company Gallery », au deuxième étage, il y a même une courte évocation historique présentée sous le titre de « Arab and Iranian modern masters ». Quelques uns des artistes contemporains présentés m’intéressent plus particulièrement, notamment Shadi Ghadirian, jeune iranienne (elle est née en 1974) qui travaille à Téhéran. Elle travaille la photographie et présente quelques pièces intitulées « Everyday Series » et trois pièces d’une « Ghajar Series ».

 

Ghajar, © Droits réservés

Ce travail critique sur la situation des femmes en république islamique est une preuve de plus de l’effervescence qui s’est emparée de l’Iran et des changements qui caractérisent la société de ce pays, mûr pour un accommodement avec les Etats-Unis…

 

Oeuvre de Shadi Ghadirian, © Droits réservés

Je m’attarde aussi au travail spectaculaire de Kader Attia, jeune français d’origine algérienne (présenté comme algérien par le cartel de l’exposition). Son œuvre remplit une vaste salle. Elle est constituée par l’alignement des formes vides et encapuchonnées de 240 (24 lignes de 10) personnages prostrés dans des attitudes de méditation ou de prière. Cette œuvre dégage une atmosphère mélangée de recueillement et d’enfermement. Ces formes sans visage se sont totalement dépersonnalisées, chacune d’entre elles n’est plus que l’élément d’un groupe, chacune des personnalités a été anéantie pour que seule subsiste la sensation de la collectivité. Là aussi, il s’agit d’une belle œuvre critique dont certains détails, comme l’empreinte sur le moulage de chaque dos courbé des colonnes vertébrales ployées, font que le principe de soumission devient physiquement sensible.

 

Kader Attia, © Droits réservés

Cette exposition manifeste l’ouverture de la scène artistique internationale aux productions et aux artistes du monde entier et donc sa « mondialisation ». Cette mondialisation a des aspects positifs quand elle s’attache, avec générosité, à faire connaître des artistes qui appartiennent à des cultures qui, hier encore, ne faisaient pas partie du monde de l’art contemporain, cantonné à une géographie limitée à l’Europe et aux Etats-Unis. On se souvient, à cet égard, de l’émerveillement qu’avait suscitée les expositions « Les magiciens de la terre » de Jean-Hubert Martin ou « Le Japon des avant-gardes » de Germain Viatte, au Centre Pompidou.

Magiciens de la terre, © Droits réservés 

La même mondialisation peut cependant aussi procéder de démarches plus intéressées, voire plus mercantiles, quand il s’agit d’ouvrir « l’approvisionnement » du marché en œuvres nouvelles ou en veillant, par des marques d’intérêt à l’égard de nouvelles scènes, de flatter la sensibilité de possibles nouveaux acheteurs ou collectionneurs issus des mêmes territoires. A l’heure où le monde arabe manifeste un véritable engouement pour des projets culturels de grande envergure, l’intérêt porté par la scène institutionnelle, les collectionneurs et le marché, à des artistes issus de ce monde peut apparaître comme une marque d’équitable et légitime intérêt mais peut aussi relever d’une stratégie plus utilitaire et donc, de l’instrumentalisation de la curiosité.
Quoi qu’il en soit, il n’en demeure pas moins que, si cet ensemble d’œuvres est inégal, il s’en dégage quelques vrais tempéraments artistiques. Je m’arrête longuement devant une œuvre de Sun Yuan et Peng Yu, intitulée « Old person’s home ». Elle est constituée de treize effigies humaines (des vieillards) hyperréalistes, portant, (à l’exception d’un homme vêtu d’un costume « mao ») des tenues caractéristiques du Proche-Orient, costumes occidentaux, keffiehs palestiniens, soutanes de pope grec, uniformes militaires... Ces vieux dans leurs guenilles sont assis dans des chaises roulantes. Ils sont infirmes et attendent la conclusion de leur sort dans une maison de retraite. Les chaises roulent doucement, se heurtent (comme des auto-tamponneuses au ralenti) et modifient alors leur course. C’est à la fois tragique et réconfortant. Tous ces hommes qui se veulent différents et qui se sont battus, sont pareils face à leur destin ultime. Ils se ressemblent terriblement malgré les différences de leur mise. C’est une métaphore puissante des drames du Proche-Orient.
En arrivant à la Gare du Nord, je suis une nouvelle fois frappé par la tristesse de Paris. Le tissu urbain est « fatigué » et la ville peu tonique. On a enfermé Paris dans une frileuse petitesse, acceptable quand ce modèle de « ville à échelle humaine » est bichonné et qu’il devient quasiment folklorique, suffoquant quand s’y dévoilent les difficultés du temps et les conséquences de tous les refus d’une modernité résolue qui ont souvent caractérisé les politiques publiques, municipales ou nationales. On aimerait que l’audace s’empare à nouveau de Paris et qu’on sorte cette ville de la « médiocrité », au sens propre du terme, dans laquelle on a voulu la cantonner.

Londres

Je tenais à voir l’exposition « Byzantium » à la Royal Academy. J’en profite pour revoir aussi au British Museum les salles consacrées aux antiquités romaines, britanno-romaines et aux invasions barbares.
Dans « Byzantium », je retrouve beaucoup d’objets familiers, dont ceux qui proviennent du trésor de Saint-Marc de Venise ou encore certains de ceux présentés à Palazzo Grassi dans « Rome et les Barbares ». C’est ainsi que j’ai, à nouveau, le plaisir d’admirer le buste de bronze de Constantin de Belgrade ou son effigie chevauchant une monture et piétinant des barbares vaincus sur un camée prêté par le même Musée national de Belgrade également. Plaisir identique de revoir le coffret byzantin de la cathédrale de Troyes, à vrai dire mieux présenté qu’à Venise (à Venise, sa présentation était frontale, alors qu’à Londres on peut, dans une vitrine isolée, en admirer toutes les faces).

 

Coffre byzantin de la cathédrale de Troyes, © Droits réservés

« Byzantium » est un assez impressionnant rassemblement d’objets exceptionnels, du premier, un relief représentant Jonas recraché par la baleine du musée de Cleveland, jusqu’au dernier, une icône du XIIe siècle du monastère de Sainte Catherine du Sinaï, représentant Saint Jean Climaque entreprenant son voyage céleste en escaladant une échelle dressée entre la terre et le ciel. Cette accumulation de chefs- d’œuvre venus, en général, des plus grands musées du monde (Louvre, British, Vatican, Metropolitan…) ne rend cependant pas la compréhension de cette histoire de plus de mille ans (330 – 1453 !) aisément accessible à qui n’en est pas familier. On ne comprend pas comment, l’empire ayant quitté Rome, Constantinople a entendu l’incarner tout entier. On ne comprend pas la résistance permanente de cet empire, à toutes ses frontières, contre les goths, les perses, les bulgares, les latins, les arabes et, in fine, les turcs… et sa résignation à la progressive réduction de son territoire, les reconquêtes de Justinien (483 – 565) incarnant l’éphémère et impossible désir de reconstituer l’imperium de Rome. On ne comprend pas non plus le poids sur cette histoire des innombrables querelles théologiques, notamment celles sur la nature du Christ ou sur le culte des icônes qui l’ont jalonnée. On aurait aussi aimé mieux mis en valeur la force du modèle que Byzance  offrit aux mondes contemporains, aux royaumes barbares d’Occident, Childéric se faisant ensevelir dans un manteau de pourpre avec une monnaie de l’empereur Zénon, la Reine ostrogothe Amalasuntha se faisant représenter (ivoire du Bargello) comme une impératrice byzantine, l’Empereur Otton se faisant, lui, représenter avec sa femme, Théophano Skleraina, couronnés par le Christ (ivoire du Musée de Cluny), comme le faisaient les couples impériaux de Byzance. Pendant mille ans, malgré son déclin et sa décrépitude, cet empire aura ainsi manifesté la fragile survie, dans la civilisation occidentale, de l’une des représentations idéales de la perfection du monde : Rome. Constantinople avait beau être devenue orientale et grecque, elle incarnait toujours la pérennité sensible de Rome dont Rome était elle-même privée depuis la déposition en 476 du dernier empereur d’Occident, Romulus Augustule.  La prise de Constantinople par les Turcs en 1453 faisant, l’empire se réfugia dans l’Empire Saint et Germanique reconstitué en Occident et dont la disparition en 1806 ne signifia cependant pas la mort définitive de Rome qui trouva, dans l’Empire Français, ivre de références romaines, l’expression d’une nouvelle jeunesse.
Ces quelques réserves mettent le doigt sur la difficulté des expositions artistico-historiques. Ou bien c’est la dimension artistique qui l’emporte et on en vient à oublier le besoin de « dire » l’histoire. Ou bien la préoccupation d’une pédagogie forte de l’histoire est prépondérante et la qualité ou la rareté des objets présentés peut devenir accessoire. C’est ce qu’avait compris Louis-Philippe quand il donna corps aux galeries historiques du château de Versailles. Ce qui comptait à ses yeux, c’était l’image plus que l’œuvre, d’où le choix de recourir largement à des copies d’oeuvres historiques insignes ou de faire procéder à la reconstitution, ex-nihilo, par des artistes contemporains, d’une imagerie historique, ce qui produisit parfois de vrais chefs-d’œuvre.
Ce qui me frappe dans cette lente mélopée mortelle de la civilisation byzantine, c’est son besoin de tout sublimer. C’est elle qui donna sa consistance théologique et philosophique à la sublimation de Jésus en Dieu, de Marie en mère de Dieu, de la sublimation politique de l’empereur en « évêque du dehors », en « majesté isapostolique », en représentant de Dieu sur terre puisqu’il convoque et préside même les conciles chargés de définir l’orthodoxie. Saints et dignitaires de la Cour finissent, comme dans les mosaïques de Ravenne, par être représentés de la même manière, sublimée elle aussi. Cette obsession est paradoxale parce qu’elle accompagne un irréversible et lent mouvement de décomposition dont elle tente de conjurer les effets.
La visite des sections européennes du British Museum permet de réaliser à quel point l’Occident pratiqua tôt et pendant longtemps l’art de l’accommodement et du compromis. Au IVe siècle, coexistent, en Bretagne, les traces iconographiques de la christianisation, comme dans cette mosaïque retrouvée à Hinton St Mary où un personnage divin est nimbé du chrisme, et celles d’un attachement persistant comme en atteste le plat en argent de Corbridge du IVe siècle également où Apollon, Athéna et quelques autres divinités se partagent la décoration de l’objet précieux.

 

Mosaïque d'Hinton St Mary, © Droits réservés

La prodigieuse Franks Casket du VIIIe siècle témoigne aussi de cet éclectisme religieux que la christianisation ne réprima jamais vraiment. Byzance n’oublia jamais celles de ses racines qui plongeaient dans la culture antique, mais ces références étaient culturelles et littéraires. L’Occident resta plus profondément marqué par ses sources pagano-barbares qui cantonnèrent le désir chrétien de sublimation dans l’enclos des cloîtres, des ermitages et des monastères ainsi que dans le rêve, vite réprimé, de la sainteté.

Conseil de la création artistique

Des invitations arrivent pour la présentation, lundi, à l’Elysée, par le Président de la République lui-même, du Conseil de la création artistique dont la direction a été confiée à Marin Karmitz. La création de ce Conseil avait été annoncée à Nîmes, il y a un peu plus de deux semaines, lors des vœux au monde de la culture.
On sera, lundi, fixé sur la composition de ce conseil, sur ses missions et peut être ses moyens.
Il rejoindra les structures d’intervention auxquelles le ministère de la Culture a déjà, parfois depuis longtemps, confié, souvent à la faveur d’un accès à une ressource affectée, des missions spécifiques de soutien à tel ou tel domaine de l’activité culturelle : soutien au cinéma (Centre National de la Cinématographique), au livre (Centre National du Livre), aux arts plastiques (Centre National des Arts Pastiques), au jazz et à la variété (Fonds de soutien chansons, variété, jazz), et même au patrimoine non protégé (Fondation du Patrimoine)…
Ainsi s’est progressivement esquissée une nouvelle architecture possible du ministère de la Culture. D’un côté, des grandes directions d’administration chargées de coordonner les engagements structurants et permanents de l’Etat, à travers notamment ses établissements et les réseaux des « labels » qu’il subventionne conjointement avec les collectivités locales. D’un autre côté, des structures d’intervention, des agences donc, affectées à la prise en charge d’actions de soutien ponctuelles, n’ayant pas vocation à être systématiquement reconduites, mais s’inscrivant néanmoins dans des programmes nationaux. Au cours des dernières années, la séparation progressive du CNL de la Direction du Livre et de la Lecture, celle du CNAP de la Délégation aux Arts Plastiques a souligné le caractère systématique de cette évolution dont il faudra sans doute prendre toute la mesure.
Cette évolution est positive à condition que soit clarifiée la répartition des compétences entre ces agences et l’administration ainsi que la répartition entre elles des missions de ces différentes agences, de manière à éviter les doublons, les incohérences voire d’inutiles compétitions. Par ailleurs, il est évident que l’ensemble de cette nouvelle architecture ne peut avoir pour vocation que d’être coordonné globalement par le Ministre de la Culture, garant de la cohérence du dispositif.

Grève

L’intersyndicale du château de Versailles a appelé à une assemblée générale, dans le cadre du mouvement national de grève. Elle se tient de 9 à 10 heures. A son issue, nous constatons que l’addition du nombre de grévistes déclarés et du nombre d’absents (assez nombreux les jours de grèves qui frappent les transports en commun) ne permet pas d’atteindre l’effectif plancher nécessaire à l’ouverture du château. Le château ne sera donc pas ouvert aujourd’hui. Peu de visiteurs se présentent d’ailleurs. L’annonce anticipée par les médias du probable caractère massif de ce mouvement et la crainte de ne pas pouvoir circuler normalement entre Paris et Versailles aura dissuadé beaucoup de visiteurs de venir. Pour ceux qui se présentent néanmoins, nous avons décidé d’ouvrir gratuitement le Petit Trianon. Ainsi les visiteurs, étrangers notamment, qui n’auraient pas réalisé le caractère perturbé de cette journée ne repartiront pas totalement déçus. Les jardins et Trianon c’est déjà un point de vue inoubliable sur Versailles, point de vue partiel mais éblouissant.

Hommage à Michel Chapuis et Bertrand Cattiaux - Fabienne Pascaud - Basilique Saint Sernin

Orgue de la chapelle royale
Dans la soirée, nous rendons hommage, à la chapelle royale, à Michel Chapuis et à Bertrand Cattiaux, à l’occasion de leur distinction dans l’Ordre du Mérite. Michel Chapuis, dont je rappelle l’éclatante carrière d’organiste, tient depuis 1995 le magnifique orgue de la chapelle du château, rétabli la même année, par son compère Bertrand Cattiaux, l’un des facteurs d’orgue les plus subtils de notre pays. Michel Chapuis porte déjà sa cravate de Commandeur. Elle lui a été remise, chez lui, à Dôle. Je remets les insignes de Chevalier à Bertrand Cattiaux. De l’un et de l’autre, je rappelle la vie, la carrière, les travaux et les mérites. Leurs familles, leurs amis, leurs collègues ont été réunis dans le « salon de la chapelle » dont les grandes portes s’ouvrent sur la tribune d’où le Roi assistait à la messe. La chapelle royale, chef-d’œuvre de Jules Hardouin-Mansart et de Robert de Cotte, offre sa splendeur à nos regards. Elle a été achevée en 1710, à la fin du règne de Louis XIV dont elle est le dernier grand ouvrage. Cinq ans plus tard, le Roi mourra en regrettant d’avoir trop aimé « la guerre et les bâtiments ». S’agissant de la guerre, son regret était bien légitime. Quant aux bâtiments, il a bien fait de les aimer à ce point de folie, puisqu’il nous a ainsi laissé Versailles…
Après les discours, trois disciples de Michel Chapuis, Michel Bouvard, titulaire du grand orgue de la Basilique Saint Sernin de Toulouse, Olivier Latry, co-titulaire de Notre Dame de Paris, Philippe Lefebvre, autre co-titulaire de Notre Dame de Paris, nous régalent d’une « offrande » musicale aux récipiendaires du mérite. A tour de rôle, parfois à deux – pour les œuvres à trois mains – ils jouent François Eustache du Caurroy, Henry Du Mont, Louis Marchand, François Couperin, Claude Bénigne Balbastre, avant de conclure la soirée par des improvisations – grand genre des organistes – auxquelles Michel Chapuis prend part malgré la fatigue de ses 79 ans. C’est éblouissant.
Je vais proposer à Michel Chapuis qu’on lui désigne des co-titulaires, un par trimestre ou par semestre, de manière à maintenir à un très haut niveau la « tenue » de l’orgue de Versailles, accessible toutes les semaines aux élèves et aux maîtres de la classe d’orgue du Conservatoire National Supérieur de Musique.

Souvenirs
Cette soirée conclut de façon lumineuse une journée plutôt maussade. Toutes les « maladies de saison » qui infestent le canton se sont abattues sur moi. Fièvre, toux, frissons, rien ne m’épargne. J’ai annulé pas mal d’obligations pour tenter de me refaire.
A Paris, à la mi-journée, je déjeune rapidement avec Fabienne Pascaud, Directrice de la rédaction de Télérama. Nous évoquons inévitablement le cinquantenaire du Ministère de la Culture et les projets de Versailles pour 2009. Elle me fait part de l’intérêt de son journal pour l’exposition "Louis XIV, l’homme, le Roi" que nous présenterons à la fin de l’année.
Il y a quelques années, nous avons découvert, Fabienne Pascaud et moi, en parlant de notre jeunesse, que nous avions habité le même quartier de Toulouse, le quartier Saint-Michel, près de la prison homonyme et même, la même rue, la rue Saint Léon. J’ai cru me souvenir que l’un de mes oncles, le plus jeune des frères de mon père, Marcel, était même tombé amoureux, sans succès, je crois, de la sœur de Fabienne. Je précise que ces souvenirs remontent aux années soixante. Après avoir quitté, dans des circonstances douloureuses, le foyer de ma mère, en Lorraine, j’avais rejoint mon père et sa famille à Toulouse, quitté le lycée Poncelet de Saint-Avold, pour le lycée Berthelot à Toulouse. Même si le contexte de cette révolution de mon existence fut dur, elle m’ouvrit de riches et enivrantes perspectives culturelles. Je devins familier du Musée des Augustins et du Musée Saint Raymond.

C’est au Capitole de Toulouse que, grâce à une amie de mon père, qu’on appelait « la  Commissaire » (son mari était commissaire divisionnaire de police à Dijon), j’assistais pour la première fois à un opéra. Je ne me lassais plus d’aller voir et revoir, dans le déambulatoire de la Basilique Saint Sernin, le Relief du Christ en majesté bénissant, chef-d’œuvre de l’art roman, que m’avait fait découvrir Victor Allègre, mon professeur d’histoire au lycée, vieux prof républicain, dans le genre radical méridional, passionné par les travaux des sociétés d’archéologie et d’histoire locale.
 La dizaine d’années que je devais passer à Toulouse eut ainsi sur mon existence et sur ma personnalité une influence déterminante.